모더니즘 8, 새로운 예술 언어

우리는 이것의 일부를 1912년 런던에서 열린 후기 인상주의 전시회에서 볼 수 있었던 2009-12년의 LaConvention[대화]이라는 멋진 이미지에서 볼 수 있다. 이 그림의 색채 조화는 파란 색과 빨간 색과 초록색으로 매우 두드러진다. 방과 정원에 사용되는 색깔들 사이에는 강한 정서적 대조가 있다. 그리고 나무와 꽃의 모양이 대화 중에 있는 커플의 모양과 비슷하다. 그러나 마티스와 그의 아내 아멜리의 그림들은 높고 뻣뻣하다. 그들은 마티스가 본 앉은 여신 샤마시 앞에 있는 함무라비의 비석을 바탕으로 한다. 루브르 박물관 아멜리는 법을 정하고 있는 것처럼 보이며, 그녀의 대답은 발코니의 철공장에서 볼 수 있는 'NON'일지도 모른다. 하지만 이 그림이 프라이에 의해 묘사된 추상화에 대한 주장을 뒷받침하는 것은 그림의 단순화, 디자인된 균형 감각, 지역적 디테일에 대한 관심 부족이다. 동료들입니다. 

그러한 방법의 논리적 극단은 의심할 여지 없이 자연의 형태와 유사한 모든 것을 포기하고 형식의 추상적인 언어인 시각 음악을 창조하려는 시도일 것이다. 피카소는 이것을 충분히 명확하게 보여 준다. 

프라이 씨는 이 시기에 런던에서 초기 칸딘 스키 씨를 보았을 뿐이지만, 진보적인 추상화에 관한 그의 예측은 추상화의 효과가 점점 더 커질 수 있다는 가정에서 나왔다. 음악의 그것과 마찬가지로, 칸딩스키 초기에 성, 탑, 창, 배의 종말론적 상징이 점점 더 식별하기 어렵게 되는 방식으로 확인되었다. 여기서 재현한 그림(그림 4)은 191521년부터 순수 생체 모방의 형태로 이동한 후(보하우스에서)기하학적 추상화를 보여 줍니다. 슈바르처 플레크(블랙 스팟)에서는 왼쪽 아래에 있는 칸딘 스키(칸딘스키)를 자주 볼 수 있습니다. '보트'바로 위에 누워 있는 커플 하지만 이것은 비현실적일 수도 있습니다. 여기서 중요한 것은 모양들 사이의 관계의 색깔과 역동성입니다. 이 시기의 사진들을 보면서, 젤레나 홀 코크는 '칸딘스키가 새롭고 완전한 무료 시각적 요소를 소개하기 시작했을 때 그의 그림에 자연적이거나 익숙한 물체와 유사하지 않은가?' 하지만 궁극적인 목표가 더 큰 추상화라는 것에는 의심의 여지가 없다. 우리는 이것을 1910년부터 1939년까지 칸딘스키에 의해 만들어진 10개의 '복합'의 놀라운 연속에서 볼 수 있다. 

추상화에 대한 생각은 유럽의 모든 언어에서 되풀이되며, 현대 미술가들이 마치 목표가 점점 더 추상적이 되기 위한 꾸준한 뺄셈이지만, 우리가 보았듯이, 아주 다른 방식으로였다. 

이러한 종류의 근대 주의적 진보는 이전에 일어났던 것에 대한 발전과 수정으로 설명된다. 그래서 더 빨리 이해할 수 있는 예술로의 연결은 명확해 질 수 있다. 그러나 예술의 언어를 바꾼 그 예술가들은 더 명백하게 급진적이었다. 초기 근대기의 영웅적인 인물들-피카소, 조이스, 칸딘 스키, 스토렌버그, 파운드, 엘리엇, 아폴리나이어, 마리 네티이 모든 것을 했다. 1907년에 데모이셀레스 다비그노스를 데리고 있는 피카소는 초조하고 보기 흉한 모습을 하고 있으며, 다른 피카소는 이베리아 가면 같은 얼굴을 변형시켰다. 예술가의 초상화의 첫 페이지인 조이스는 어린 아이의 시각적 경험과 의식의 흐름을 특별하게 재현했습니다. 그의 두번째 현악 사중주의 마지막 움직임과 함께, 그가 추가한 목소리는 지속적으로 음의 기준 없이 음악의 ' 새로운 공기'로 떠오릅니다. 봄의 기운이 깃든 스트라빈스키는 그 원시적인 잔인함으로 '지구의 춤'에서 불협화음, 전례 없는 리듬의 변화, 그리고 마지막 클라이마이트 폭주를 보인다. 종교적인 처녀는 춤을 추다가 죽었다.